Страницы

О моих учителях

Мне интересно многое: живопись, современный арт, старые фотографии и много еще чего.

Если же кого-то интересует моя особа и мое творчество, то советую воспользоваться навигацией (та, что на строку выше). Там я в какой-то мере систематизировал личную информацию.

воскресенье, 31 июля 2016 г.

Первый иллюстратор журнала Cosmopolitan Harrison Fisher


(продолжение)


Harrison Fisher (Харрисон Фишер) (1875 - 1934) - американский художник, иллюстратор журнала "Космополитен". Грандиозный успех принесли ему яркие рисунки красивых американских девушек, которые он подписывал "Девушки Фишера". Создал тип "счастливой американки", "идеальной американской женщины", его работы были признаны в начале XX века эталоном американской красоты и женственности, грации и изящества. К 1900 Harrison Fisher выполнял заказы самых известных журналов Америки. Был исключительно популярен в США, его работы тиражировались на почтовых открытках, до самой смерти был автором всех обложек "Космополитена". В июне 1910 «Космополитен» опубликовал статью о художнике, которая была названа «Отец тысячи девушек», это прозвище закрепилось за ним навсегда.




Мечети мира


(продолжение)





Художник Иван Акимов


Акимов Иван Акимович
(1754-1814)

Вся жизнь Ивана Акимовича Акимова (1754-1814) была связана с петербургской Академией художеств: с детских лет ее воспитанник, затем заграничный пенсионер, академик, профессор и, наконец, ректор - он поднялся по всем возможным ступеням академической карьеры. В девять лет, лишившись отца, наборщика сенатской типографии, мальчик сам подал прошение с просьбой принять его в академическое обучение на казенный счет; он писал о нужде, о том, как любит живопись, и прилагал несколько рисунков. Так в 1764 году Иван Акимов попал в недавно образованную "Академию знатнейших художеств" - всесильное учреждение, призванное регламентировать всю художественную жизнь государства.
Президентом ее был тогда И.И.Бецкой, чтец императрицы. Уже пожилым человеком, не имея ранее никакого отношения к искусству, он встал во главе Академии художеств. Впрочем, не только Академии - ему подчинялись и Канцелярия от строений, Кадетский корпус. Воспитательное заведение для благородных девиц, московский Воспитательный дом, Коммерческое училище и Вдовий дом. И всюду он намеревался неукоснительно провести полную реформу в деле воспитания "новой породы людей", основываясь на принципах жестких, а порой и жестоких, и полностью пренебрегая природными склонностями и способностями своих подопечных. Менее всего эта система способствовала формированию творческой личности. На ровесников Акимова, тех, кто еще детьми пришел в Академию, возлагались особенно большие надежды - они должны были явить плоды нового метода. Но безусловное предпочтение послушания и примечания - "добродетелей" - дарованию и таланту сделало поколение в достаточной мере бесцветным.
Сама система преподавания была безличной - профессора не имели своих учеников, а дежурили в классах по очереди. Главенствующее место отводилось рисунку; большое значение имела и композиция, "сочинение". Акимов учился успешно - за годы, проведенные в Академии, получил малую и большую серебряные медали за рисунок, 2-ю золотую медаль за программу "Великий князь Изяслав Мстиславович чуть не изрубленный воинами, его не узнавшими в бою, открывается им" (1772). На следующий год, ко времени выпуска, он был удостоен за картину "Великий князь Святослав, целующий мать и детей своих по возвращении с Дуная в Киев" золотой медали, которая давала право на поездку за границу, в Италию.
Девятнадцатилетний художник отправился морем до Кале и через Париж в Марсель, добрался до Болоньи, затратив на этот путь четыре месяца. Оказалось, однако, что в те годы в Болонье не было натурных классов, и Акимову пришлось удовлетвориться копированием картин в городской галерее. Не получая из Петербурга ответа на свои многочисленные просьбы о разрешении переехать в Рим, молодой художник в конце концов решился это сделать самовольно. Но и в Риме поначалу ожидало его разочарование - Капитолийская академия была тогда скорее обществом художников, имевших частных учеников, чем учебным заведением с классами и программами. Благодаря рекомендации известного мецената И.И.Шувалова, путешествовавшего по Италии, Акимову удалось попасть в мастерскую знаменитого живописца Помпео Баттони. Скорее всего, именно следуя советам Баттони, его русский ученик предпринял поездку в Венецию и, чтобы преодолеть слабость колорита, начал там копировать работы венецианских мастеров (чьи "жаркие колера" пленили незадолго перед тем учителя Акимова - Лосенко).
В Риме историческая тематика сменилась мифологической: там были написаны "Нарцисс, любующийся своим отражением в воде", "Дидона и Эней, укрывающиеся в пещере от бури", "Фавн, забавляющийся с козленком" и "Прометей, делающий статую по повелению Минервы" (1775) - за последнюю работу Акимов был избран "назначенным" в академию.
По возвращении в Петербург, с января 1779 года Акимов назначается преподавателем в натурные классы, а в августе того же года была "задана программа назначенному в живописном историческом художестве Ивану Акимову, коей сюжет нижеследующий: "Самосожжение Геркулеса на костре в присутствии своего друга Филоктета по получении смертоносной одежды от своей бывшей возлюбленной Дейяниры, похищенной кентавром Незусом". Здесь Акимов продемонстрировал свое мастерство компоновки и умение рисовальщика - превосходно построенная композиция по четкости соотношений объемов напоминает скульптурную группу, фигуры выразительны и прекрасно нарисованы, хотя колорит по-прежнему остается уязвимым местом его живописи. За эту картину Акимов в 1782 году был признан академиком.
Попытки художника в дальнейшем разрабатывать национальную тему в исторической живописи оказались несостоятельными. "Князь Рюрик, поручающий при кончине своей младенца Игоря и вместе с ним княжение сроднику своему Олегу", "Крещение великой княгини Ольги", "Новгородцы, ниспровергающие Перуна" - программы таких картин диктовались, как правило. Академией, историческая живопись в которой, хотя по-прежнему находилась в традиционной иерархии жанров на самой вершине, переживала глубокий кризис. Умозрительность и отвлеченность становились неотъемлемыми качествами академического искусства.
Акимова нельзя упрекнуть в неблагодарности к взрастившей его Академии - он всегда готов был следовать по пути, указанному ею, каким бы бесплодным тот ни был. И хотя внешний рисунок жизни Акимова вполне благополучен - вслед за академическим он получил профессорское звание (1785), а затем стал и ректором (1796 - 1800), обучал рисованию детей императора Павла I, заведовал шпалерной мануфактурой - его собственные работы появлялись все реже. И все чаще это были не самостоятельные композиции, а образа для петербургских соборов, в исполнении которых тогдашние зрители с удовлетворением отмечали следы глубокого изучения Гвидо Рени и братьев Карраччи.
Оживление общественной жизни в первые годы XIX века, "дней Александровых прекрасное начало", взрыв национальных чувств вызвали желание обратиться к событиям историческим, но не столь отдаленным от современности. Акимов пишет картины на сюжеты для него необычные - "Подвиг знаменосца Азовского полка Старичкова" (1806) и "Петр I, пишущий указ Сенату в лагере под Прутом" (1807). Они не сохранились, и потому нельзя судить об их достоинствах, однако о первой из них позже было замечено, что "патриотический сюжет... конечно, играл главную роль и доставил легкий успех этому заурядному произведению".
Но если атмосфера Академии не благоприятствовала раскрытию творческих способностей Акимова, то оставалась другая сторона его деятельности - педагогическая. Он преподавал в Академии долгие 35 лет, и среди его учеников были такие известные художники, как А.И.Иванов, В.К.Шебуев, А.Е.Егоров. Но нелегко сказать, чем они обязаны именно Акимову, - вероятно, крепким рисунком, за который более всего ценили современники самого мастера.
Не сохранилось достоверных свидетельств о его педагогической системе, преподавательских приемах. О них можно судить лишь косвенно - один из учеников Акимова А.В.Ступин (бывший, кстати, его воспитанником и живший в его доме), впоследствии сам известный педагог, по-видимому, унаследовал некоторые методы своего учителя. У него же хранилось не дошедшее до нас "Краткое наставление о живописи" - свод теоретических взглядов Акимова. С мыслью о своих учениках Акимов завещал весь свой капитал Академии художеств, чтобы на него содержались "воспитанники из бедных художнических детей", и все та же Академия, в стенах которой прошла вся жизнь Ивана Акимовича Акимова, унаследовала книги его библиотеки и собранные им картины. 
 


суббота, 30 июля 2016 г.

Уличный кубинский балет


Нью-Йоркский фотограф Омар Роблс посетил Кубу и уловил потрясающие кадры танцев местных женщин и мужчин.
Родившийся в Пуэрто-Рико Омар давно мечтал о путешествии на Кубу, пишет Tech Insider. По словам фотографа, между этими двумя странами существует сильная культурная связь.
Омар Роблс фотографирует балерин больше двух лет. Фотографу нравится запечатлевать красоту в движении. «Я слышал очень много историй о талантливых и натренированных кубинских танцорах», — рассказывает Омар, — «Если кубинец хочет заниматься танцами, правительство оплачивает ему обучение».
На съемки каждого танцора балета, которого Омар встретил на Кубе, ушло от одного до трех часов. «Несмотря на то, что я предлагал своим кубинским моделям собственные идеи для образов, танцоры знали свое тело лучше и мы вместе создавали великолепные снимки».
По мнению Омара Роблса, узнать о характере и культуре страны можно не только путем прямого общения, но и через визуальное искусство. В частности — через фотографию.




Галерея фантастической живописи XX века



RON MILLER

(начало)




Ondrej Pakan


(начало)


Словацкий фотограф Ondrej Pakan снимает в разных жанрах, но самыми интересными, несомненно, у него получаются макрофотографии насекомых. Рассматривая эти фотографии, мы имеем возможность погрузиться в удивительный микромир,который находится рядом с нами, но который обычно мы не видим. 




Финский художник Аксели Галлен-Каллела (Akseli Gallen-Kallela) (1865-1931)


(начало)


В творчестве Аксели Галлена-Каллелы сочетались натурализм, неоромантизм, символизм и экспрессионизм. Он работал в разных живописных жанрах, а также занимался декоративно-прикладным искусством (известен, например, разработанный им дизайн финских ручных ковров рюйю).


Аксели Галлен-Каллела родился в 1865 году в финском городе Пори, на западном побережье Великого княжества Финляндского, входившего в состав Российской империи. Тогда его имя звучало просто Аксели Галлен (художник добавил к своей фамилии ее финский вариант «Каллела» в 1907 году, на волне национального движения). Еще в детстве его истинной страстью стало искусство, хотя отец Галлена этого и не одобрял. После смерти отца, в 1881-84 гг., юноша начал посещать классы рисования в Общества поощрения художеств в Гельсингфорсе (так тогда называлась Академия художеств Хельсинки).
В этот период творчества молодого человека наиболее привлекали сюжеты из сельской жизни, которую он хорошо знал по своему детству, когда часто бывал в местечке Тюрваа на западе Финляндии. Именно там в 1884 году им была написана картина «Мальчик и ворона», демонстрирующая влияние французского представителя натурализма Жюля Бастьена-Лепажа (1848-1884), но отмеченная в то же время характерными чертами финской природы, национальных типажей и самобытного образа жизни. Годом позже Аксели Галлен пишет полотно «Старуха и кот», изображающее пожилую крестьянку с узловатыми пальцами и искалеченным тяжелой работой телом.
В 1886-1889 году, во время учебы в Кеуруу в Центральной Финляндии, Галлен переходит к более мягкому стилю живописи: он пишет интерьеры с игрой светотени в духе Рембрандта. В этот период художник изображает типично финские бытовые сцены: мытье в сауне, деревенскую семью за хозяйственными заботами. Его персонажи скромны и полны достоинства. С 1890 года художник начинает изображать дикие пейзажи Карелии, используя их для прославивших его монументально-декоративных циклов. Эти работы отражают чувство единения человека с Природой.
Парижский период
Незадолго до своего 20-летия Аксели Галлен-Каллела начинает учиться в Академии Жюлиана в Париже. В период с осени 1884 года до конца весны 1889 года он совершает три поездки во французскую столицу. В 1887 году, после обучения в Академии Жюлиана, он поступает в мастерскую Фернана Кормона — художника-реалиста, восхищавшего финского юношу своими историческими полотнами, которые впоследствии вдохновили Галлена на собственные поиски доисторических истоков финской идентичности. Несмотря на широкий круг друзей, Галлен тосковал по дому. Его ближайшими друзьями были финны и шведы, например Альберт Эдельфельт, Карл Дёрнбергер и Август Стриндберг, с которыми он познакомился в Париже.
Во время обучения в Париже Галлен практиковался в бытовых и уличных зарисовках, писал сценки, подмеченные им на улицах и в кафе. Примером творчества этого периода является картина «Парижский бульвар» (1885). Он также изображал различные сцены в интерьерах. Одной из таких работ является картина «Обнаженная» («Без маски») (Demasquee), написанная в 1888 году и признанная одним из главных шедевров Галлена-Каллелы. На картине изображена обнаженная парижанка (по-видимому, проститутка), сидящая на диване, покрытом традиционным финском ковром. Эта работа рассматривается специалистами как попытка уловить момент, когда все общепринятые маски спадают, и остается лишь обнаженное существование. Некоторые искусствоведы видят в этой картине изображение трагедии богемного общества.
В эту пору художник также писал автопортреты и портреты своих друзей. В 1886, 1888 и 1889 годах он принимал участие в Салоне Общества французских художников.
В этот период его вдохновляли библейские сюжеты, а также оккультные и теософские учения; он разделял духовные поиски многих символистов и размышлял о предназначении искусства.
Используемые художником символы носят мистический характер, отсылают к космическим, первозданным мотивам. В замечательных работах данного периода Галлен обращается к таким темам, как чудо творения и жизни. Так, например, в картине «Симпозиум» (1894) мы видим двух мужчин, которые смотрят на странное явление наподобие ангела, парящего над столом. Сам этот ангел находится за пределами картины. Здесь же изображена стоящая фигура в черном — это сам художник. Двое за столом — это финские композиторы Роберт Каянус и Ян Сибелиус. Представшее им парящее видение символизирует тайну искусства, которую спящий человек за столом (предполагают, что это критик, чья профессия как раз и заключается в толковании искусства) не может увидеть и разгадать. В этой работе явно присутствует представление о художнике как избранном человеке, демиурге, которому одному дано видеть невидимое.
В картине «Ad Astra» («К звёздам») (1894) Галлен-Каллела представляет свое видение библейской темы Воскресения, которую он трактует как освобождение, следующее за человеческими страданиями. Данное полотно, несомненно, является одним из самых красивых произведений европейского символизма. Эта космическая картина, обрамленная створками, как церковный алтарь, оставалась в мастерской художника до конца его дней.
Масштабные пантеистические пейзажи Галлена-Каллелы в иллюстрациях к «Калевале» и оформлении мавзолея Юзелиуса в Пори также отчасти могут быть отнесены к символизму.
Портреты кисти Галлена-Каллелы изображают в основном его друзей-художников, а также представителей высшего общества тогдашней Финляндии. Мы видим, например, финского предпринимателя и мецената Антти Альстрёма среди своей семьи и промышленника Густава Серлахиуса, гордо стоящего посреди своей огромной бумажной фабрики.
На другом портрете изображен сенатор и профессор математики Эдвард Неовиус в кругу семьи. Также заслуживает внимания портрет финской актрисы Иды Аалберг (1893) — одной из крупнейших драматических актрис того времени. Галлен-Каллела изобразил ее с тревожным выражением лица, устремленными вдаль горящими глазами и выразительно сложенными руками.
Наконец, на портрете своей молодой жены Мэри художник представил ее в элегантном наряде леди, в гармонии с окружающим скалистым пейзажем.
Пейзажи
В июне 1889 года Галлен со своим другом Луисом Спарре отправляется в Кеуруу, что в Центральной Финляндии. Здесь он пишет несколько пейзажей, умело передавая водную гладь озера и отражения деревьев в воде. Летом 1892 года появляется картина «Черный дятел», на которой запечатлена природа Карелии — дикого региона, в котором финская интеллигенция искала древний уклад жизни и идеи для своего творчества.
Художник создал также многочисленные пейзажи региона Руовеси на западе Финляндии. Начиная с 1902 года, под влиянием немецкого художественного объединения «Фаланкс», а затем группы «Мост» пейзажи Галлена становятся в большей степени стилизованными, полными мерцающих красок. Во многих его пейзажах проявляются мистические, символические аспекты. Птица на картине «Черный дятел» служит символом жизни, а водопад и пять золотых струй на картине «Водопад в Мянтюкоски» наводят на мысль о музыкальном сопровождении падающей воды.
В картине «Весна в Калеле» и «Логово рыси» чувствуется влияние швейцарца Фердинанда Ходлера и норвежского художника Эдварда Мунка, с которым Галлен-Каллела устраивал в 1894 году совместную выставку в Берлине.
Тема природы присутствует и в самых, пожалуй, знаменитых картинах Галлена-Каллелы, посвященных финскому эпосу «Калевала» — поэме, составленной на основе народных эпических песен фольклористом Элиасом Лённротом и впервые изданной в 1835 году. Этот эпос, моментально ставший символом финской культуры, отвечал интересу художника к вопросам национальной идентичности и политической ситуации конца XIX века, когда страна всё еще оставалась под контролем Российской империи.
Аксели Галлен-Каллела нашел мощные визуальные образы для выражения волшебных и героических мотивов эпоса. В триптихе «Легенда об Айно» и картине «Создание Сампо» художник еще придерживается натуралистического стиля. Однако при изображении таких героев «Калевалы», как Вяйнямёйнен и Лемминкяйнен, наделенных сверхъестественной силой, он применяет совершенно новый стиль, жесткий и выразительный, полный неподражаемо ярких красок и стилизованных орнаментов. В полотне «Защита Сампо» мы видим борьбу Вяйнямёйнена со злой ведьмой Лоухи за Сампо — волшебный предмет, являющийся источником счастья и изобилия.
Из этого цикла также стоит отдельно отметить потрясающую картину «Мать Лемминкяйнена», которую можно назвать подлинной северной Пьетой. На картине изображен момент, когда мать Лемминкяйнена находит своего сына у реки Смерти, после чего оживляет его.


В 1898 году промышленник из города Пори Артур Юзелиус пережил трагедию: в возрасте 11 лет умерла его единственная дочь. Безутешный отец решил создать в память о дочери капеллу-усыпальницу. Здание было построить по проекту архитектора Йозефа Стенбека (Josef Stenback) в неоготическом стиле. Заказчик также желал, чтобы мавзолей был великолепно оформлен и изнутри. Основная часть работ по созданию настенных росписей была поручена Галлену-Каллеле. В 1902-1903 годах он выполнил многочисленные подготовительные эскизы маслом для этих фресок. К сожалению, сами фрески вскоре разрушились, а затем окончательно-пожаром, но в 1930-х годах их удалось восстановить: по эскизам отца это сделал сын художника — Ёрма Галлен-Каллела (Jorma Gallen-Kallela) (1898-1939).
В этих фресках Галлен представил цикл жизни и смерти, с метафизической точки зрения рассматривая тему связи человеческой судьбы с ритмичностью смены сезонов в природе. В панно «Весна» мы видим женщину в черном платье, которая символизирует смерть и угрожает счастью детей. В композиции «Стройка» женщина дает своему старшему ребёнку молоко, которое предназначалось для ее мертворожденного младенца. Река Смерти, Туонела, безжалостно уносит всё живое.
«Весна», «Стройка», «На берегах реки Туонела», «Разрушение», «Осень» и, наконец, «Зима». Все вместе эти холсты образуют поразительную «панораму жизни», полную глубокой символики и выразительной силы, трагические фрески дополняются более светлыми трансцендентальными пейзажами «Рай» и «Космический эфир», которые привносят в этот погребальный цикл нотку надежды.
Аксели Галлен-Каллела и сам пережил смерть родного ребёнка. В марте 1895 года он получил телеграмму о том, что его дочь умерла от дифтерии. Эта трагедия стала поворотной точкой в его творчестве. С тех пор его кисть утратила мягкий романтический характер и стала более жесткой и агрессивной. Именно в этот период появляется упомянутый выше стиль, характерный для таких работ, как «Мать Лемминкяйнена» и «Месть Йоукахайнена».
Художник имел необычайно широкий спектр творческих интересов: занимался дизайном мебели и традиционных финских ковров, строил дома, иллюстрировал книги, проектировал интерьеры... В частности, по его собственному проекту был построен дом-студия «Калела» (1894) в Руовеси, среди диких озер и лесов. В этой резиденции художник и его семья были свыше десяти лет.
Этот деревянный дом, где сегодня находится музей Галлена-Каллелы, был построен с использованием традиционных строительных методов и творчески переработанных фольклорных мотивов. Для интерьера своего деревенского жилища художник сам разработал дизайн мебели, печей, тканей и прочих предметов обстановки, создав уникальную гармоничную среду. Столы, стулья, шкаф, ковер ручной работы с декоративным мотивом «Пламя» — всё это создает единый ансамбль.
Кроме того, по эскизам Галлена была оформлена комната завода Iris (это предприятие принадлежало его другу Луису Спарре и специализировалось на производстве керамики и мебели) в финском павильоне, представленном на Всемирной выставке 1900 года в Париже.
Для Всемирной выставки 1900 года Галлен-Каллела также выполнил фрески для финского павильона. Эти росписи были вновь посвящены эпосу «Калевала» и заодно обнаруживали политические взгляды художника. Так, на фреске «Ильмаринен вспахивает змеиное поле» на одной из гадюк можно заметить царскую корону Романовых, так что процесс изгнания гадюк с поля приобретает значение призыва к независимости Финляндии.
После этой парижской выставки Галлен-Каллела приобрел статус ведущего финского художника, известного во всем мире. Цикл фресок для финского павильона Всемирной выставки был затем повторен мастером при оформлении холла Национального музея в Хельсинки в 1928 году.




В 1909 году художник поехал с семьей в Кению, где создал свыше полутора сотен полотен в духе экспрессионизма, часть которых можно увидеть и на нынешней выставке в музее Орсе. В Африке он наблюдал местные обычаи и нравы, участвовал в сафари и экспедициях. Однако уже через пару лет художник вернулся на родину, понимая, что здесь его корни и источник его вдохновения.
Последние годы жизни Галлен-Каллела активно занимался политикой, всё меньше писал и проводил много времени на природе. В 1918 году, во время Финской гражданской войны, художник вместе с сыном принимают участие в боевых действиях на стороне белых. Затем, по предложению Маннергейма, Галлен-Каллела занимался дизайном флагов, униформы, государственных символов независимой Финляндии, а в 1919 году был назначен адъютантом Маннергейма.
В 1923-26 гг. художник жил в США, и выставки его работ устраивались в нескольких американских городах. Галлен-Каллела скончался от воспаления легких, когда находился в Стокгольме, возвращаясь с лекции в Копенгагене. Его дом-студия Тарваспяя (Tarvaspaa) в Эспоо является музеем, как и вышеназванная студия «Калела» в Руовеси.



пятница, 29 июля 2016 г.

Голландская Венеция


(начало)


Маленькая голландская деревеня Гитхорн

По-другому ее еще часто называют Голландской Венецией, так как расположилась она на водных каналах общей протяженностью около 7,5 км. Деревня была основана еще в 1230 году.

Для передвижения по деревне есть велосипедная дорожка и многочисленные водные каналы.




Vlada Mirkovic. Сербский сюрреализм


(начало)

О художнике (на английском языке)


Born in 1954 in Gornji Milanovac (Serbia), Vlada Mirkovic was educated in Gornji Milanovac and in Belgrade.
Since 1989, Vlada has been living and working as a freelance artist.
He participated to several group exhibitions, including the Fourth International Biennial of Miniature Arts in Gornji Milanovac where he received the Second Prize for his painting “Genesis,Triptih”. He also exhibited in Paris in the group exhibition “Regard Fantastique” in 2006. He had numerous solo exhibition during his career in Belgrade, Gornji Milanovac, Geneva, Cacak, and Kragujevac. His paintings are collected around the world in Holland, France, Switzerland, Norway, USA, England, and South Africa.
“Like a monk who leaves his monastery to see the world and returns to it, and from its isolation finds the appropriate words to talk about it, Vlada talks, through his paintings, about the world he has seen and his intuition of the world he senses…” Benoit Junod (Geneva - 2005)
“(…) The universe which Vlada leads us into through his paintings is perhaps the one which alice found beyound the looking-glass. It is not fairground world with light relief or escape routes, althrough the sky is always blue there. Architectures are rigorous, and faceless Man confronts his destiny and measures himself to it. Maybue Vlada brings us there to give us the privilege of seeking the truth there in. Again proof of fragility, of our own fragility, is present. The balance and harmony however contradict what might be frightening in this world which obliges us to introspection. The intelligence of artist is to hold our hand and reassure us, as he leads us along his pictural path, much as Dante did before him…”



Советский фотограф Владимир Соколаев




Советский фотограф Владимир Соколаев за всю жизнь сделал огромное количество снимков. Но больше всего у него получались так называемые социальные фото.
В своих кадрах Соколаев снимал обычную жизнь людей, их быт и работу. Особую известность принесли ему выставка фото, посвященная жизни в СССР.





четверг, 28 июля 2016 г.

Итальянская живопись. Ангелика Кауфман




Ангелика Кауфман (1741-1807)

Дочь художника, выросла в Форарльберге, Австрия. Самостоятельно выучила несколько языков, много читала, увлекалась музыкой (соревнование поэзии, музыки и живописи — частый сюжет картин Кауфман). С 12 лет работала как профессиональный живописец. В 1754 побывала с отцом в Милане, с 1764 жила в Италии (Рим, Венеция).
В 1766 по предложению английского посла и его супруги уехала в Лондон, где прожила 15 лет. Ее портрет написал Рейнольдс (1766), она в ответ написала портрет Рейнольдса. Была среди основателей Королевской Академии художеств, участвовала в росписи собора Св. Павла. В 1781 вернулась в Рим. Подружилась там с Гёте, написала его портрет. Ее последняя выставка состоялась в Риме в 1797.
Живопись Кауфман (портреты, библейские, исторические, литературные и античные мифологические сюжеты) развивается в рамках классицизма.
Очень рано приобрела широкую европейскую известность. В 1762 стала членом флорентийской Академии художеств, с 1765 — член Академии Св. Луки в Риме, с 1768 — Французской и Британской Королевской академии. В 1810 ее биографию написал известный итальянский историк Джованни Баттиста де Росси, с тех пор ее жизнь не раз становилась сюжетом романов.
 



Фото из лучших зоопарков мира


Без комментариев.

Только фото.





Художник сюрреалист Daniel Merriam


(продолжение)


Daniel Merriam - современный сюрреалист, который высоко ценится и является самым известным в технике сухой кисти. У него интересный творческий стиль.
Он работал в качестве архитектурного и коммерческого иллюстратора для целого ряда транснациональных корпораций. Иллюстрации Merriam завоевали многочисленные награды, в том числе несколько Бродерсонских наград и первые места в Новой Англии (по редакционной карикатуре).




среда, 27 июля 2016 г.

Фотограф Роман Мурушкин. Камчатка. Медвежий угол


 (начало)


Роман Мурушкин
Камчатка, Курильское озеро. август 2011 года

Курильское озеро — одно из самых красивых мест на Земле. По величине озеро Курильское – второе из пресных озер Камчатки. Озерная котловина имеет площадь 76,2 км² и представляет собой опустившееся вулканическое плато длиной 12,5 км и шириной 8 км, образовавшееся 8 300 – 8 400 лет назад в результате мощного извержения и последовавшего за ним провала земной коры. Озеро глубоководное, средняя глубина 176 м, максимальная 306 м. Из озера вытекает одна единственная река Озерная, которая соединяет его с Охотским морем и питает жизнью. Великая нерестовая миграция длится с июля по февраль и собирает на берега озера огромное количество зверей и птиц, желающих полакомиться неркой: медведей, белоплечих орланов, лис, чаек, уток, лебедей и многих других Когда рыба идет на нерест из моря в реки, вода кипит.
На северо-восточном берегу озера расположен действующий вулкан Ильинский. Вулкан имеет правильную форму конуса, его высота – 1578м, диаметр в основании – 8км. Возник вулкан около 8500 лет назад, последнее извержение было зафиксировано в 1901 году. У подножия вулкана имеются термальные источники (Курильские), температура которых достигает 45С. Источники подогревают воды озера, не давая ему покрыться крепким льдом зимой, несмотря на частые 20 градусные морозы.
Нерка уже вошла в Курильское озеро в большом количестве, но для того чтобы она начала входить в речки, втекающие в озеро, должна установиться теплая погода. Мишки ждут когда рыба начнет прорываться в реку. А поскольку в устье реки достаточно мелко, то и ловить рыбу будет очень легко.
Остров "Сердце Алаида"
Легенда:
Когда-то посреди того места, где сейчас озеро, стояла огромная гора по названию Алаид. И была та гора такая большая, что закрывала она солнце другим горам. И недовольны были другие горы, и часто выходили у них споры. И надоело Алаиду жить в спорах да в дрязгах, и отправился он в дальний путь к морю, нашел себе место чистое, да и встал там. Оставил Алаид после себя лишь сердце, которое и сейчас можно видеть посреди озера – остров розоватого цвета Сердце Алаида, по форме напоминающее сердце.

Эти забавные медвежата-сеголетки увидели, что их мама поймала для них рыбу и от радости пустились в пляс (а может быть в драку за вскусный кусок?)
Этот медвежонок смешно натирал пузико, готовя его для очередной рыбки, которую вот-вот должна будет принести его мама с речки.
Медведица вышла посидеть на краю берега, но внимание ее попрежнему приковано к реке, в которой то и дело мелькает рыба. Малыши не мешкая прильнули к маминой спине, пригрелись и задремали. Но, вдруг медведица увидила рыбу и стремглав ринулась за ней в воду, а медвежата при этом смешно посыпались один за одним с крутого бережка в воду.
Эта медведица очень часто вставала на задние лапы, чтобы получше разглядеть рыбу под толщей воды, и как только завидела рыбку, тут же бросалась в воду и всегда возвращалась с уловом.
Первый улов.
Кутхины баты — пемзовые скалы вблизи озера Курильского, по форме напоминающие поставленные вертикально гигантские долблёные лодки. Обрамлённые пышной зелёной растительностью, они расположены в каньоне, развернутом амфитеатром в небольшой скале. Ительменская легенда, записанная С.П. Крашенинниковым гласит: «По преданию, в этих местах, богатых рыбой, обитал бог Кутх. На своих батах (лодках) он выходил в озеро и море ловить рыбу. Уходя отсюда навсегда, Кутх поставил их сушиться, и они окаменели».

 



Художник Hugh Thomson (Хью Томпсон)


(продолжение)


Hugh Thomson, 1860—1920 — художник-иллюстратор из Ольстера. Считается (наряду с Артуром Рэкхэмом и Эдмундом Дюлаком) одним из трёх лучших иллюстраторов книг эдвардианского стиля.

Был самоучкой, не получил почти никакого специального образования. В отрочестве работал посыльным в компании торговцев тканями «Гиббонс и Сыновья». В 14 лет в Белфасте попал в ученики в типографию небольшого издательства «Marcus Ward & Co», производящего календари и поздравительные открытки, и там впервые начал рисовать с одобрения и при поддержке владельца фирмы. Художник-иллюстратор John Vinycomb помог Hugh Thomson развить его талант, особенностями которого были — внимание к мелочам, умение использовать различные изобразительные средства, уникальные способности схватывать характеры людей, детали интерьера и окружающего мира. Помимо прочего, Hugh мастерски овладел техникой акварели. В 1884 году женился на Jessie Naismith Miller и перебрался в Лондон где поступил на работу в издательство «Макмиллан и К°». Иллюстровал серии исторических книг, сельскохозяйственные брошюры, произведения многих писателей викторианской эпохи, среди которых: Чарльз Диккенс, Оливер Голдсмит, Элизабет Гаскелл, Р. Б. Шеридан, Роберт Бьюкенен к., Джордж Элиот, Уильям Теккерей. В 1894—1898 годах он иллюстрировал пять романов Джейн Остин: «Гордость и предубеждение», «Мэнсфилд Парк», «Доводы рассудка», «Эмма», «Разум и чувства». Сотрудничал с журналом «The English Illustrated Magazine».



Hugh Thomson скончался от болезни сердца 7 мая 1920 года. Творческое наследие художника продолжило активно жить, в частности, благодаря его иллюстрациям к популярной комедии из английской жизни ХIX в. Джеймса Барри «Кволити-стрит» («Достойная улица», «Quality Street», 1901), долгие годы украшавшими коробки с шоколадными конфетами — «Quality Street»




Калининград (Кёнигсберг)


(начало)


Калинингра́д (до 1255 года— Твангсте; до 4 июля 1946 года — Кёнигсберг, нем. Königsberg)




вторник, 26 июля 2016 г.

Французская живопись. Луи-Леопольд Буальи



БУАЛЬИ, Луи Леопольд (Boilly Louis Leopold, 1761 г., Ла-Бассе — 1845 г., Париж) - художник, автор жанровых сцен и портретов.
   
 Французский живописец и график. Сын резчика по дереву. Юность провел в Дуэ (1774—1778 гг.), затем переехал в Аррас, где учился у Д. Донкро (1778—1785 гг.), мастера, воссоздающего на холсте иллюзию натуры, так называемые "trompl’oeil" — "обманки". С 1785 года в Париже. Любитель живописи Кальве де ла Палю заказал Буальи серию из восьми картин нравственного и галантного содержания (Горести любви, 1789—1791 гг., Лондон, собрание Уоллес; Импровизированный концерт, 1789—1791 гг., Сент-Омер, Музей), несколько напоминающую произведения Фрагонара. Картины принесли художнику известность, и он успешно выставлялся в Салоне с 1791 по 1824 год. Изящные, с занимательными сюжетами, приятные по колориту, с тщательно выписанными деталями и миловидными персонажами жанровые сценки Буальи пользовались неизменным успехом.
Мастер обращался в основном к современной тематике, не углубляясь в сложности политики, но наряду с бытовыми сценками (Вход в Амбигю-Комик, 1819 год, Париж, Лувр) у него есть и картины с изображением исторических событий и деятелей (Триумф Марата, 1794, Лилль, Музей изящных искусств). Целый цикл Буальи посвящает современным художникам (Мастерская молодого живописца, 1800 год, Москва, Гос. музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина). На картине Скульптор Гудон в мастерской (1803 г., Париж, Музей декоративных искусств) изображен известный ваятель, вокруг собралась его семья, на стеллажах множество уже готовых бюстов, в глубине знаменитая статуя Вольтера. Прекрасно передана атмосфера сосредоточенного труда. В эту уютную, замкнутую в своих стенах обитель словно не проникают шум и потрясения внешнего мира, а ведь картина написана в бурные и тревожные времена — свержения Бурбонов, воцарения Наполеона, войн и сражений. Главное — это работа, труд, как бы утверждает своим полотном художник. Буальи писал и групповые портреты (Художники в мастерской Изабе, 1798 г., Париж, Лувр), и картины на религиозные темы (Христос, 1812 г., Оксфорд).
 
Работал также в технике акварели, гравюры, литографии. Буальи был очень плодовит: после него осталось более тысячи произведений.